痕跡よりも
作家提供のメモにplayという単語に触れた箇所がある。演奏する、再生する、遊ぶといったこの語の訳に共通するのは、何らかの媒体に記録された情報を、現実世界において現象させること、つまり上演すること（perform）。林の関心はパフォーマンスに向けられている？展覧会を見たものとしては言葉を足して、パフォーマンスよりも素朴な身体のかかわりによって現象する出来事を物象化することに、と言いたい。
この展覧会では、林の在学中のものから最新作まで12年間に制作された作品が、1階から4階までの会場に並んだ。
2階にはRとEの二つのアルファベットのみを用いたスタンピングによる平面作品が集められていたが、少し離れたところに最新作のひとつ《Lip Synch》が置かれた。母との会話を記録し、互いに話す内容を交換して再演する映像作品だ。語りを語り手と引き離し、別の語り手に遷移する手法はこの作家独自のものではないが、映像中の語りのありようは、たしかにこの作品をして展覧会全体の紐帯たらしめるものとなっている。それは、言葉のやり取りの中に、ときおり個我の意識の解放を予感させる瞬間があらわれることによる。
この予感は3階に置かれた《escape》によって加速する。シアン（C）、マゼンダ（M）、イエロー（Y）の3色を塗り重ね、その上を胡粉で覆い、それから溶剤をつけた綿棒で絵具を拭い去ることでドットを描いた作品である。
ドット部分を拡大して見せるモニタの映像は、そばに置かれた三色の絵具にまみれた綿棒の集積と相まって、医療科学の資料映像のよう（受精卵？）。
映し出された円形は、事物の消失としてではなく、どこかへ何かが逃れ去った痕跡として示される。このように二作を続けて見るうちに、物事の生滅を有と無の二元論ではなく、場の移動、空間の問題としてとらえようとする感覚を受け取ることになる。
4階は光が透過し反射する空間だ。発話する際の唇のかたちをルーターでガラス板に刻み付けた《水／water》などがあり、その反対側に最新作の《Playing Body》が並ぶ。後者は光を反射するミラーパウダーを指で平面に擦り付けたもの。金属粉は指先で触れていない場所にも動きに沿ってとどまり、何らかの衝撃が加わればそこを離れて移ろっていくという。作家は空間をさまよう金属粉をも作品としてとらえかえそうとする。
唇をモチーフとする作品には、キャンバスや壁面に唇の痕跡を直接うつしていく唇拓と呼ばれるものもあるが、それらはこの展覧会に出品されていない（後述する《声の解体》は例外）。口紅を描画材にした作品は、その鮮やかな色彩の効果もあって作者の身体を現前させる強い効果を持つ。時にはすり切れた唇から流れた血が混じったとも聞くようにパフォーマンス的要素の強い、生々しいものだ。そのような作品が除かれることで、作者のかすかな気配に対するわれわれの感度はかえって上がっていく。
痕跡よりも気配という言葉がふさわしいような、身体のかかわりの結果として生じた物質のありようが、確かにわたしたちの想像力を喚起すること。そしてその想像力が空間を作品化する力を持つこと。作家の関心はそちらへと向かっている。それは誰かが遊んだ後のゲーム盤や、ガラス板の集積によるテキスト（もう元の意味を成していないかもしれない）に擦り付けられた気配にも通じる作品のありようである。
残された記録から想像されるパフォーマンス「躰の延長」は、身体から分かたれた現前性そのものとも言えそうな声という現象を物質化し、展示空間を縫いとるように結んでいくものだ。平面としてまず現れた唇拓による《声の解体》は一筋の糸にほどかれ、会場図面に記された譜に従って1階から4階までの空間を作者の気配で満たしていく。こうしてギャラリーはひとつの作品／オブジェとなった。
このギャラリー空間は、新型コロナウイルスの感染拡大への応答として2020年6月に閉じられた。こうした事態は林葵衣の意図とは無関係に生じたのであり、ここに記す必要はなかったかも知れない。それでもそれを書きつけたのは、個我の現前性について、その可能性を拡張していこうとするこの作家の姿勢は、そして想像力をおよぼすことのできる空間的な広がりをも作品の媒介物としつつあるこの作家の試みは、展覧会という形式を当然のものとして提供／享受することができなくなった今こそ、その真価を発揮するはずのものだと考えたからである。
会場の入口、1階に置かれた再生機から12年前の、ここからは見えない坂の向こう側の音が流れてくる。2階からは「どっかであったんやなんかが」という彼女の声が聞こえる。
小林 公（兵庫県立美術館 学芸員）
(2020.09.08)
撮影｜守屋友樹
Aoi Hayashi Playing body
Rather than Traces
There is a part that mentions about play in Hayashi’s notes provided by her. Play has several meanings, such as ‘playing instruments,’ ‘playing something like a vinyl,’ and ‘playing as in having fun.’ Here, there is something in common, which is to develop in reality information recorded within media. In essence, performing it. Do Hayashi’s interests progress towards a performance? In my opinion—as a person who experienced her exhibition—her interests should rather be attributed towards reifying events developed by involvement of the body and object.
In this exhibition, works produced from 12 years, including Hayashi’s school to the latest work, are lined up at the venue from the 1st floor to the 4th floor.
On the 2nd floor, there were plain pieces arranged. They were the pieces made by stamping only two Roman letters, R and E, but one of the latest ones, “Lip Synch,” was placed a little away from them. It is a video piece in which Hayashi records the conversations with her mother and they re-perform them with switched scripts. The method is not her own way of representation as the sentences and the speakers separated and switched. Looking at the conversations in the video, however, this particular piece was surely the connection with the whole exhibition. Through the conversations, there were some moments that make you have a feeling of their individuality being released.
This feeling was accelerated by the piece “Escape” arranged on the 3rd floor. It was the dot–patterned piece. The colors of cyan, magenta, and yellow were painted and piled. They were covered with white pigments, and Hayashi took off paints with a cotton bud using solvent. The monitor showing the zoomed–in image of the dots looked like a microscopy–imaged video from medical research (a fertilized egg?). The circle shown on the monitor was indicative not of emptiness or the absence of things but an indication of something that had fled. While looking at the two pieces, the intent would start to be seen; which is that birth and death of things are not grasped as dualism, as existence, or as nonexistence, but a movement of place or matter in space.
The 4th floor was the space where lights were transmitting, refracting, and reflecting. There was the piece “Mizu/water.” It was that the shape of her lips when uttering was curved on the plate glass by a router. Another piece, “Playing Body,” was on the other side. In the piece, mirror powder reflecting lights rubbed on the black boards by Hayashi’s fingers. The mirror powder stayed along the movements of her fingers where they were not actually touched. If a force passed by the board, the powder would take off from it and float around in the air. Hayashi intended to make powder in the room an art piece.
Among the pieces that had motifs of lips, Hayashi had some of lip prints as leaving traces of lips on a canvas or a wall. However, she did not exhibit them (except for the piece, “Scrap of Voice”). The pieces that have lipstick as drawing material possess enormous influence to make her body parts appear by vivid-color effect. They are very graphic and performance-oriented pieces, such as one which had blood from her frayed lips. Viewers would become more sensitive to her faint presence in her art pieces by eliminating those graphic and vivid pieces.
Presence could rather suit with her art pieces than a trace. Considering the substances come out of the consequence by physical involvements, Hayashi’s interests move toward having the ability to surely arouse viewers’ imaginations and make the space itself an art piece via the imagination. It is the way her art pieces are. It is the common presence to the game board after some people and the texts rubbed on a piled plates of glass (they might not have meanings in them).
The live performance “Tai no Enchou/Extension of Body”—using one’s imagination based on pictorial records from the exhibition—reified the essence of the voice (that otherwise might appear separate from the body) and manifested the exhibition place as a sewing space of this essence. The lip printing on the plane of yarn, “Scrap of Voice,” was loosened. From the 1st floor to the 4th, the thread filled the space with Hayashi’s presence following the directions shown on the floor map. The gallery had become an art piece/object.
The gallery had closed permanently in June, 2020 due to the expansion of infection of COVID-19. It occurred without Hayashi’s intentions, and it seems that it needs not to be mentioned here. However, it is the reason why it is written here to think that her attempts to use the space being able to give imagination as a medium and also her attitude toward expanding possibilities would demonstrate her true value now that it is impossible to provide/enjoy exhibitions as a natural format of it in terms of appearance of individuality.
At the entrance on the 1st floor you can hear a sound recording from 12 years ago. The sound was of something on the other side of a slope she was on at the time. At the same time, from the 2nd floor, you can hear her voice in another player saying: “There must be something that happened somewhere.”
(Tadashi Kobayashi｜Curator at Hyogo Prefectural Museum of Art)
(Kazumasa Ueda｜Translator)